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ECOS & HUELLAS es el resultado de una investigación artística inspirada en un viaje interior y exterior, con exposiciones en Roma (Academia Española de Bellas Artes, 2010), Corea del Sur (Jeonbuk 2012), Venecia (Museo del Vetro de Murano, 2014), China (Qingdao 2014), Nueva York, Milán y Berlín. Las huellas y los ecos de cada uno estos trabajos se reúnen en Valencia para compartir ese tránsito desde el Trastevere romano al Centro del Carmen. Con esta exposición, he tratado de plasmar artísticamente los ecos de la naturaleza en constante transformación, la compleja realidad en la que nos ha tocado vivir, y las huellas que las personas permanentemente dejamos en el presente. No queremos reconocer nuestra frágil y provisional existencia y deberíamos vivir más acordes con la esencia de la naturaleza y de nuestra vida, generando más belleza, conciencia y armonía entre todos los seres vivos, haciéndonos responsables ante la naturaleza y el género humano de lo que legaremos a las generaciones del futuro.
Victoria Cano.

Exposición que da a conocer los múltiples caminos, y los no pocos avatares, que hicieron posible el milagro de que Valencia sea la custodia del GRIAL.

De una manera cronológica esta muestra tiene como objetivo sumergir al visitante en la historia del GRIAL, historia que se inició el día de la Última Cena, en el Jerusalén de los evangelios, y acabó hace casi seis siglos en la Valencia medieval.

En la exposición se alternan obras de artistas de la talla de Juan de Juanes, Vicente Macip, Francisco Ribalta, Vicente López, José Segrelles…, con proyecciones audiovisuales de gran calidad. Todos estos elementos pretenden transmitir al visitante que el GRIAL de la Última Cena perseguido por los caballeros que pueblan la literatura medieval es el que se encuentra expuesto al culto en la capilla de la catedral de Valencia.

La exposición Valencia 1750 gira alrededor del dietario manuscrito de un hidalgo -Ignacio Gilabert- que entre 1744 y 1751, anota los gastos de su casa en días determinados. Son los gastos de una familia de la alta burguesía en celebraciones, fiestas, ropas, pleitos, reparaciones en sus casas, alquerías y barracas, encargos a artistas, compra de loza de Alcora, etc…

A través de los gastos y sus fechas podemos reconstruir muchas costumbres del momento, desde reuniones donde se toma chocolate coincidiendo con determinadas fiestas, los dulces que se regalan en Navidad, la primera referencia a la tradicional ‘mocadorà’ o la también primera receta de horchata conocida.

Al respecto del chocolate, que en esos años solo está al alcance de pocos, el pequeño manuscrito incluye 17 recetas, posiblemente las primeras conservadas del mundo moderno.

Además de referir gastos, el dietario incluye algunos comentarios llenos de ironía sobre la vida cotidiana, la enseñanza o la religión, que dejan traslucir problemas de su época.

La exposición se articula en cuatro zonas, la primera está dedicada al marco político, social y cultural de la Valencia de mediados de siglo entre el final del reinado de Felipe V y el de su hijo Fernando VI, momento en el que han comenzado a asentarse las ideas ilustradas, a destacar en ella la escultura de Felipe V de Leonardo Julio Capuz, que se situó sobre una columna al principio de la Alameda y el plano grabado por José Fortea de la ciudad en 1738 basado en el dibujo del Padre Tosca, así como dibujos y bocetos en barro de Ignacio Vergara o el grabado de la portada del palacio del Marqués de Dos Aguas de Hipólito Rovira, entre otros.

El segundo tramo de la exposición recrea interiores burgueses del momento con obras de arte, mobiliario, indumentaria, artes suntuarias y aplicadas, destacando entre las piezas un Bodegón de Tomás Yepes, la vajilla Balzola, así como un rico conjunto de loza de Alcora, Talavera, Moustiers y China o un panel de azulejos valencianos mostrando una escena del servicio del chocolate.

El tercer escenario expositivo muestra escultura y pintura religiosa con obras del período de Evaristo Muñoz, Luis Domingo, Gaspar de la Huerta, José e Ignacio Vergara, entre otros.

El tramo final de la exposición muestra en una especie de zoco un conjunto de lo que el comercio podía ofrecer a los viandantes: libros, estampas, ropa, tejidos, encajes, menaje, medidas para cereal, aceite o vino, además de la evocación del taller de una familia de artistas: los Vergara.

La exposición reúne fondos del Museo de Bellas Artes de Valencia, el Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias González Martí, la Colección Espínola, el Archivo José Huguet, la Colección Victoria Liceras, el Museo de Bellas Artes de Castellón, la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos, la Real Sociedad Económica de Amigos del País de Valencia, la Biblioteca Valenciana, el Archivo de la Diputación de Valencia, el Museo Chocolates Comes y diferentes colecciones particulares.

La Generalitat Valenciana de la mano de sus instituciones culturales conmemora en este 2015 el 300 aniversario del nacimiento de Ignacio Vergara Gimeno (1715 -1776), uno de los exponentes de la escultura valenciana y española de todos los tiempos y el más importante escultor valenciano del siglo XVIII. Miembro de una de las familias de artistas más influyentes de su época, (Los Vergara) pese a su gran reconocimiento nunca se le había dedicado una muestra monográfica al autor. El Consorcio de Museos de la Comunitat Valenciana y la Fundación Jaume II el Just, dentro de su línea de conmemoraciones culturales, organizan esta primera gran exposición homenaje a Ignacio Vergara con motivo del tercer centenario de su nacimiento convirtiéndose en una de las citas culturales más importantes del año en Valencia. Ignacio Vergara es una de las figuras más sig­nificativas del arte valenciano del siglo XVIII, no sólo por su valiosa aportación dentro del ámbito de la escultura, con obras tan relevantes como la portada del Palacio del Marqués de Dos Aguas o el relieve de los “Ángeles adorantes del anagrama de María” de la portada barroca de la Catedral de Valencia, sino también por su contribución al academicismo valenciano, siendo uno de los miembros fundadores de la Real Acade­mia de Bellas Artes de San Carlos.
La muestra es la primera y más completa retrospectiva sobre Ignacio Vergara y en ella se exhiben cerca de un centenar de obras entre esculturas, bocetos y tallas, además de di­bujos y grabados vinculados al origen de la Academia de Bellas Artes de San Carlos. La muestra se acompaña de fotografías de algunas de sus obras repartidas por otros lugares de España como Barcelona o Cádiz. Un total de 17 instituciones y museos valencianos han colaborado en esta exposición prestando obra, desde el Museo de Bellas Artes de Valencia donde se conserva gran parte de su producción fuera de lo que constituye la arquitectura pública, de la Academia de San Carlos, la Catedral de Valencia, el Museo Nacional de Cerámica González Martí, el Museo de la Ciudad, además del Archivo del Reino, el Monasterio de Santo Espíritu de Gilet o la Basílica de San Pascual Bailón de Villareal, entre otros. El homenaje que se dedica en esta exposición a Ignacio Vergara se extiende asimismo al resto de la saga de Los Vergara que abarcaría dos generaciones de escultores y pintores del siglo XVIII.

José Hernández (Tánger, 1944- Málaga, 2013), es uno de los grandes referentes del arte contemporáneo español, con obra en colecciones públicas y privadas de todo el mundo. Pintor, dibujante, grabador, ilustrador y escenógrafo, Hernández recibió a lo largo de su dilatada carrera más de 20 premios y reconocimientos nacionales e internacionales, entre los que cabría destacar el Premio Nacional de Artes Plásticas (1981), el Premio Nacional de Arte Gráfico (2006), y numerosos galardones relacionados con el grabado y la bibliofilia. Considerado como uno de los grandes maestros del arte fantástico, ha desarrollado una personal poética que proyecta un imaginario perturbador, onírico y grotesco habitado por monstruos y espectros que deambulan por misteriosos espacios. Esta exposición reúne pinturas al óleo, aguafuertes, dibujos, carteles, libros ilustrados, esculturas, ex-libris, y diseños de escenografías teatrales, conformando así una aproximación representativa al trabajo del polifacético artista desde 1969. La FUNDACIÓN CHIRIVELLA-SORIANO muestra destacadas obras en diferentes soportes, realizadas en torno a los años 70, que representan el momento clave en la conformación de su lenguaje expresivo, lenguaje que generaría un inquietante universo muy relacionado con la tradición de los pintores renacentistas y barrocos y la literatura fantástica. El CENTRO DEL CARMEN reúne el resto de su producción a partir de los años 80, caracterizada por la reducción simbólica y compositiva hacia la simplificación de elementos, y un críptico simbolismo sobre el que subyace la idea de la vanitas. Se intensifica en esta época su relación con el teatro y la ilustración de libros.